Kommen Sie von einer belebten Allee, um unter der hellen, geräumigen Rotunde des Neuen zu stehen Nancy and Rich Kinder Building im Museum of Fine Arts Houston An einem Morgen im März fühlte ich, wie sich ein Gefühl der Anmut herabsenkte. Sonnenlicht drang durch die von Wolken inspirierte Decke, und das grelle texanische Leuchten wurde weicher zu einer wohltuenden Aura.
Um mich herum waren Türen, die zu raumfüllenden Installationen von Künstlern wie James Turrell, Yayoi Kusama und Gyula Kosice führten. Jenseits der runden Balkone im Guggenheim-Stil über mir befand sich in einem Labyrinth von Galerien unter anderem die bedeutendste Sammlung lateinamerikanischer modernistischer Kunst des Landes.
Das Kinder, das im November für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde, beherbergt mehr als 1.200 Werke moderner und zeitgenössischer Kunst, von denen fast alle zuvor nicht dauerhaft ausgestellt waren. Diese reichen von internationalen Schätzen, wie ein Paar Kaminwandbilder, die von Henri Matisse und Fernand Léger für Nelson Rockefeller gemalt wurden, bis hin zu Meisterwerken der lokalen Legenden Robert Rauschenberg, der im nahe gelegenen Port Arthur geboren wurde, und Jesse Lott, der dort gelebt hat Houston seit seiner Kindheit.
Die Geschichte, wie Houston zu solchen Wundern wurde, beginnt in den 1940er Jahren, als die in Frankreich geborenen Aristokraten der Ölindustrie John und Dominique de Menil begannen, die meiste Zeit in der Stadt zu verbringen, wo sie sich schließlich als bedeutende Kunstmäzene etablierten. Freunde aus Paris und New York konnten nicht verstehen, wie sie in eine solche Kulturwüste ziehen konnten. Johannes antwortete mit einem biblischen Witz: „In der Wüste geschehen Wunder.“
Sieben Jahrzehnte später höre ich erstaunt, dass manche Houston immer noch als Teil des „Flyover Country“ betrachten, obwohl es zu einer der größten Kunststädte der Welt geworden ist. Was wäre nötig, um die Menschen für all das vielfältige, anspruchsvolle Houston zu wecken, das Houston zu bieten hat? Die Antwort könnte so etwas wie die Kinder sein.
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Hiram Butler, ein langjähriger Kunsthändler aus Houston, der Lott, Turrell und andere vertritt, sieht die Enthüllung der Kinder als einen entscheidenden Moment für seine Stadt.
„Plötzlich betritt man ein enzyklopädisches Museum, das man nur in New York, Washington, Chicago oder Los Angeles hätte erleben können“, sagt er. 'Es ist die große Enthüllung.'
Mein Hotel, das ZaZa Museumsviertel , war nur ein paar Blocks entfernt, und später an diesem Tag ging ich wieder am Kinder vorbei, diesmal nach Einbruch der Dunkelheit. Als Hommage an die texanischen Wolken über Houston verkleidete der Architekt Steven Holl das Äußere mit abgerundeten, weißglühenden Rippen und verlieh dem dreistöckigen Gebäude das weiche, bauschige Gefühl eines weißen Nachtlichts. Ich begann, mir den Kinder als Sternennebel vorzustellen – vielleicht die Entstehung eines neuen Polarsterns für die US-amerikanische Kunstwelt.
Sieben Jahrzehnte später höre ich erstaunt, dass manche Houston immer noch als Teil des „Flyover Country“ betrachten, obwohl es zu einer der größten Kunststädte der Welt geworden ist. Was wäre nötig, um die Menschen für all das vielfältige, anspruchsvolle Houston zu wecken, das Houston zu bieten hat?
Die Enthüllung des Kinder ist nicht das erste Mal, dass eine neue Ära für Houston in Form einer Wolke angebrochen ist. Im Jahr 1900 zerstörte ein schwerer Hurrikan das nahe gelegene Galveston und machte Houston, das weiter im Landesinneren liegt, zum wichtigsten Seehafen der Region. Das nächste Jahr brachte eine weitere historische Ölfahne – diesmal aus einem Bohrloch 90 Meilen östlich bei Spindletop. Die Entdeckung verwandelte diesen Teil von Texas in ein wirtschaftliches Kraftzentrum.
Eines der ersten Dinge, die Ihnen auffallen, wenn Sie die Kunstwelt von Houston erkunden, ist die Bedeutung der Schirmherrschaft, die sowohl visionär als auch sehr reich ist. Dank des unstillbaren Marktes für Öl und Gas hat es Houston selten an Wohltätern gemangelt, die darauf aus waren, Petrodollars in Kulturschätze zu verwandeln. Glücklicherweise waren sie oft geschmackvoll und zukunftsorientiert, mit einem Auge für Talente und einem Verständnis für Kunstgeschichte.
Dafür gebührt den de Menils, denen die Magazin der New York Times einst als „Medici der modernen Kunst“ bezeichnet. Das Paar spielte eine Schlüsselrolle bei der Entwicklung der beiden Museum der Schönen Künste Houston (MFAH) und Museum für zeitgenössische Kunst Houston (CAMH), sowie die Museum für moderne Kunst in New York. Einige der von ihnen erworbenen Werke sind im Kinder Building zu sehen, darunter das 16-Fuß-Mobile von Alexander Calder, das die Rotunde dominiert.
Aber der beste Weg, tief in ihr Erbe einzutauchen, ist ein Besuch die Menil-Sammlung , ein charmantes Renzo-Piano-Gebäude aus dem Jahr 1987 im Viertel Montrose. (Der ruhige Park neben dem Museum ist auch der beste Ort in der Stadt für ein Picknick. Gönnen Sie sich ein Mittagessen im hoteleigenen Bistro Menil oder in einem der vielen großartigen Restaurants von Montrose, wie Eunice und One Fifth.)
Ich begann, mir das neue Kinder Building als einen Sternnebel vorzustellen – die Genese eines neuen Polarsterns für die US-amerikanische Kunstwelt.
Das Museum enthält zahlreiche faszinierende Objekte, von der Vorgeschichte bis zur Gegenwart, aber am meisten liebe ich die Art und Weise, wie die Kuratoren Werke europäischer Modernisten in einen Dialog mit traditioneller und zeremonieller Kunst aus Afrika und dem Südpazifik gebracht haben , und indigenes Amerika. Ich war beeindruckt von der Resonanz zwischen den Picassos, Mirós, Ernsts und Magrittes und beispielsweise den elegant übertriebenen menschlichen Formen der Dogon-Holzskulpturen Westafrikas. Ein Besucher kann sehen, wie Surrealisten und Kubisten des Vorkriegseuropas von anthropologischer Kunst und Artefakten inspiriert wurden, neue Darstellungssprachen zu entwickeln (und zu leihen).
Diese Idee der interkulturellen Bestäubung ist entscheidend für den Eindruck, den die de Menils in Houston hinterlassen haben. 1959, nach dem Besuch einer von Menil finanzierten Ausstellung, die den Wert der indigenen Skulptur als hohe Kunst betonte – in Houston, mitten in der Bürgerrechtsbewegung – schickte der Architekt und Futurist Buckminster Fuller ein aufgeregtes Telegramm an den einflussreichen Kurator Jermayne MacAgy mit einem Gefühl, das meiner Meinung nach auch heute noch zutrifft. 'Sie bringen Houston Ehre', schrieb Fuller als erste Stadt, die beim Aufbau einer neuen Welt rund um die 'Grundlage der Kunst' den Weg ebnete.
In den 1950er Jahren war Houston noch stark segregiert. Jesse Lott hat davon gesprochen, dass Schwarze in seiner Jugend der Jim-Crow-Ära nur einen Tag pro Woche das MFAH betreten durften.
Das Kinder Building zeigt, wie weit die Stadt und das Museum gekommen sind. Eine verspielte Pappmaché-Draht-Skulptur von Lott, die ein NBA-Finalspiel von 1986 zwischen den Houston Rockets und den Boston Celtics zeigt, ist prominent im dritten Stock zu sehen. (Diejenigen, die mehr von Lotts Skulpturen und Strichzeichnungen sehen möchten, finden einen beeindruckenden Überblick über seine Karriere im nahe gelegenen Bahnhofsmuseum , ausgestellt bis zum Ende des Sommers.)
The Kinder leistet auch eine lobenswerte Arbeit bei der Kontextualisierung anderer wichtiger Houstoner Künstler innerhalb der breiteren Kunstwelt. Der Wandmaler John Biggers, dessen episches Thema das Leben und der Kampf der Schwarzen war, wird neben Diego Rivera ausgestellt, und ein Gemälde aus einer Vincent Valdez-Serie, das Lynchmorde an mexikanischen Amerikanern darstellt, ist neben einem Druck von Kara Walker zu sehen.
Houston ist die rassisch vielfältigste Stadt in den USA, eine Tatsache, die in den letzten Jahren erhebliche Medienaufmerksamkeit erregt hat, einschließlich von Anthony Bourdain , der hier in einer Folge von 2016 die sich überschneidenden globalen Esskulturen erforschte Teile unbekannt . Als ich Houstons zeitgenössische Kunstszene erkundete, wurde mir klar, dass die Beiträge von People of Color ebenfalls absolut zentral sind. Nirgendwo ist dies deutlicher als bei Projekt Reihenhäuser (PRH) , eine Künstlerresidenz und ein Ausstellungsraum im historischen Black Third Ward.
PRH wurde von Rick Lowe, einem Kollegen von MacArthur, in Zusammenarbeit mit Lott, Biggers, dem Maler Bert Long und anderen konzipiert und begann 1993 mit dem Kauf von 22 Häusern im Schrotflintenstil. Seitdem haben diese Häuser 50 halbjährliche Runden veranstaltet, in denen Künstler eingeladen werden, auf ein Thema zu reagieren (wie kürzlich „Rasse, Gesundheit und Mutterschaft“) und ein Haus mit einer kurzfristigen Installation zu füllen, die wird Teil einer blockweiten Show.
Für Besucher bedeutet das PRH-Erlebnis, von Reihenhaus zu Reihenhaus zu gehen und in jedem die Vision eines anderen Künstlers aufzunehmen. Manchmal sind die Künstler sogar drinnen am Werk und bereit, ihre Installationen zu besprechen. Oft erstrecken sich Projekte über die Reihenhäuser hinaus und in eine Art breiteres Engagement mit der lokalen Gemeinschaft, wie ein von Künstlern betriebener nächtlicher Hot-Dog-Stand mit Brettspielen an einer Chevron-Station. PRH-Arbeiten können bewegend, inspirierend und oft bissig sein in ihren Interventionen und Kritiken an sozialen Problemen.
Die PRH-Erfahrung bedeutet, von Reihenhaus zu Reihenhaus zu gehen und in jedem die Vision eines anderen Künstlers aufzunehmen. Manchmal sind die Künstler sogar drinnen am Werk und bereit, ihre Installationen zu besprechen. Oft gehen Projekte über die Reihenhäuser hinaus
Wegen der Pandemie war PRH für Besucher geschlossen, aber ich kam vorbei, um mit der Multimedia-Künstlerin Rabéa Ballin und dem Fotografen Brian Ellison in ihren privaten Studioräumen zu sprechen. Sie sprachen über die Bedeutung von PRH als Inkubator für junge Talente und ratterten eine beeindruckende Liste von Künstlern herunter, die vor ihnen im selben Studio gearbeitet hatten, darunter Robert L. Hodge, der auch lebhafte Ausstellungen in leeren Verkaufsräumen kuratiert, und Robert Pruitt , der Mastermind des Hot-Dog-Stand-Projekts. Pruitts Porträts wurden von der Musikerin Solange Knowles – Schwester des Pop-Megastars Beyoncé und wie sie eine Tochter des Third Ward – als Inspiration für ihre afrofuturistische Ästhetik anerkannt.
Ballin hatte Fotos auf einer Ausstellung im CAMH, die das Leben und Werk des legendären lokalen Hip-Hop-Künstlers DJ Screw feierte, der im Jahr 2000 starb. Ellison schreibt dem CAMH, das gegenüber dem MFAH liegt, ein wachsendes lokales Interesse an Reichweite zu jenseits der Rassen- und Klassenleitplanken der Hochkultur. „Es waren Leute da, die wahrscheinlich nie in ein Museum gegangen wären“, sagte Ellison über die Eröffnung der Show.
CAMH hat eine langfristige Partnerschaft mit dem Southside-Laden von DJ Screw, Screwed Up Records & Tapes, einem Pilgerort für Hip-Hop-Fans. Der Einfluss von Screw auf die kreative Kultur von Houston kann gar nicht hoch genug eingeschätzt werden. Sein verlangsamter, akustisch veränderter Stil spricht den absichtlich gemächlichen Rhythmus des Lebens in der feuchten Metropole an, sagte mir Janice Bond, die stellvertretende Direktorin von CAMH. „Was er repräsentiert, ist ein Ton und eine Textur der Stadt – eine Kultur, eine Art zu sein, eine Art, Klang und Kunst zu erleben.“
Nach der Hälfte meines Besuchs zog ich in die Post Oak Hotel . Es gehört dem Milliardär Tilman Fertitta (dem auch die Restaurantkette Landry's und die Houston Rockets gehören) und verfügt über eine beeindruckende private Kunstsammlung. Als ich die siebenstellige Frank-Stella-Skulptur in der Lobby bewunderte und dann ein paar Meter den Flur hinunter zum Rolls-Royce-Händler vor Ort ging, dachte ich über den großen Reichtum und die Macht nach, die in Houston im Spiel sind, und über den Wert, den wir zuschreiben zur Kunst ist so oft mit Investitionen und Statusdarbietungen verbunden.
Wie fühlt es sich an, in einem Wunder zu stehen? Houston scheint mir auf diese Art von Kunstwerken spezialisiert zu sein.
Auf der Suche nach einer anderen Vision fuhr ich quer durch die Stadt ans andere Ende des ökonomischen Spektrums der Kunstwelt: an die Basis Kunstmuseum Harrisburg (HAM) im historisch mexikanisch-amerikanischen East End der Stadt. Das Museum ist eigentlich ein großes Lagerhaus, das der Graffiti-Künstler Daniel Anguilu und seine Mitarbeiter als rotierendes Schaufenster für Straßenkünstler umfunktioniert haben – ein Maler pro Ladedocktür.
„Ich komme aus der Kultur, Räume zu haben, in denen sich Menschen ausdrücken können, ohne Marketing hinter sich zu haben“, sagte Anguilu, der auch Fahrer der U-Bahn-Schiene Green Line in Houston ist, die in der Nähe fährt. 'HAM ist einer der letzten, der noch wirklich kostenlos ist.'
Seit er als Teenager aus Mexiko-Stadt gezogen ist, ist Anguilu in der lokalen Graffiti-Szene aktiv und bezieht sich in seiner Arbeit oft auf sein indigenes Erbe. Er hat in der Vergangenheit in traditionelleren Museen ausgestellt, fühlt sich aber am wohlsten in DIY-Umgebungen, sowohl legal als auch illegal, sagte er mir. Ich bemerkte Besorgnis in seiner Stimme, als er mir sagte, dass HAM in letzter Zeit in Gefahr geraten sei, da Amazon begonnen habe, den umliegenden Parkplatz zu nutzen.
Wie fühlt es sich an, in einem Wunder zu stehen? Es ist eine lebenswichtige Frage, die von großartigen immersiven Kunstwerken aufgeworfen wird, die unsere Wahrnehmung neu ordnen und uns die Wunder bewusst machen, die im Alltag zu finden sind. Houston scheint mir auf diese Art von Kunstwerken spezialisiert zu sein.
Beim unterirdischen Gang zwischen dem Kinder- und dem angrenzenden MFAH-Gebäude ging ich durch zwei verspielte Tunnel mit Lichtinstallationen von Carlos Cruz-Diez und Olafur Eliasson. Inspiriert von einem älteren Tunnel im Museum von James Turrell veränderten sie die Art und Weise, wie meine Augen Farbe wahrnehmen – eine rituelle Reinigung des Sehens, während ich mich von Gebäude zu Gebäude bewegte. „Niemand kann den Kinder betreten, ohne auf die eine oder andere Weise verwandelt zu werden“, sagte mir MFAH-Direktor Gary Tinterow später und bemerkte, dass an den beiden Eingängen auf Straßenebene Skulpturen, die den Himmel reflektieren, eine ähnliche Wirkung haben.
Die Präsenz des in Kalifornien geborenen Turrell ist in Houston, einer Stadt, die das Licht und den Raum bietet, den seine Werke benötigen, groß. Seine Skyspaces haben offene Portale, durch die der Betrachter beobachten kann, wie sich die Farbe des Himmels in der Abend- oder Morgendämmerung ändert, was normalerweise durch ein subtiles Lichtprogramm an den Rändern der Öffnung akzentuiert wird. Während meines Aufenthalts besuchte ich vier seiner Kreationen, darunter Twilight Epiphany, ein prächtiger Skyspace auf dem Campus der Rice University, wo Musikstudenten oft Konzerte bei Sonnenuntergang geben (allerdings nicht während der Pandemie).
Mein Lieblings-Turrell war der elegante Ein Abkommen, 2001 fertiggestellt und in die Decke einer Quäker-Versammlungshalle am Rande des Viertels Houstons Heights eingelassen. Ich fand großen Frieden, während ich dort während des Sonnenuntergangs still saß und zusah, wie der Himmel von Blau zu tiefem Indigo wechselte, während das langsam intensiver werdende weiße Licht des Innenraums das Gefühl einer gespenstischen Gemeinschaftsversammlung vermittelte. Man mag sich das immer boomende, verkehrsreiche Houston nicht als einen Ort vorstellen, an dem man nach erholsamen, meditativen Erfahrungen suchen kann, aber Turrells Werke bieten genau das – besonders für einen Kunsttouristen wie mich, der nach langen Tagen des Betrachtens eine Erfrischung seiner Sinne brauchte.
The Menil betreibt auch einige nahe gelegene Satellitenräume, darunter Gebäude, die Installationen von Cy Twombly und Dan Flavin gewidmet sind. Ebenfalls in der Nachbarschaft befindet sich das Kronjuwel der von Künstlern gestalteten Räume in Houston, die von der Familie Menil finanzierte, organisatorisch unabhängige Rothko Chapel. Das 1971 fertiggestellte Gebäude beherbergt 14 riesige schwarze Gemälde, die Mark Rothko kurz vor seinem Selbstmord im Jahr 1970 geschaffen hat. Es ist auch ein ökumenischer religiöser Raum, offen für Anhänger aller Traditionen, und eine Institution, die Friedensaktivisten weltweit unterstützt.
Die Rothko-Kapelle hat kürzlich ein neues Besucherzentrum sowie ein Oberlicht enthüllt, das der Herausforderung gerecht wird, den Hauptraum natürlich zu beleuchten und gleichzeitig die Leinwände vor Sonnenschäden zu schützen. In einem Raum, der der Dunkelheit, der Trauer und dem, was sich hinter der Schwärze der Farbe verbirgt, gewidmet ist, sollte das Sonnenlicht diffus und nicht grell sein.
In einigen Gemälden der Rothko-Kapelle wird die Schwärze in wässrigen Formen nach unten gespült, während sie in anderen fester ist, von dunkelvioletten Rändern begrenzt wird und ungetönte Tiefen freigibt. Während ich die zugeteilte halbe Stunde mit den Gemälden verbrachte, war ich schnell und unerwartet zu Tränen gerührt. Der Raum verlieh einer Trauer einen Kontext, den ich vermutlich wie wir alle durch die Pandemie mit mir getragen habe. Für diejenigen von uns, die sich mehr oder weniger mit Kunst als mit organisierter Religion verbunden fühlen, kann sich die Kapelle wie ein lang gesuchter Ort anfühlen, um mit verschütteten Gefühlen Frieden zu schließen.
Als ich die Kapelle verließ, wurde mir klar, dass ich in gewisser Weise wieder am Anfang meiner Reise nach Houston stand. Wieder einmal überkam mich eine unheimliche Anmut, wenn auch düsterer als bei meinem Besuch im Kinder. Die klare Verbindung zwischen diesen beiden transformativen Gebäuden, die im Abstand von 50 Jahren eröffnet wurden, spricht dafür, was die Stadt zu einem so unumgänglichen Kunstziel macht. Beide sind aus einer mutigen, aber sensiblen Vision von Houston als einem Ort geboren, an dem Wunder geschehen können.
Houston für Kunstliebhaber
Wo übernachten
Hotel ZaZa Museumsviertel : Nur wenige Schritte vom MFAH entfernt, bietet dieses Anwesen mit 315 Zimmern einen Poolbereich mit neoklassizistischem Charme. Doppelzimmer ab 249 $.
Post Oak Hotel in Uptown Houston : Gastronom Tilman Fertitta baute das Post Oak als globales Mekka für luxuriöses Leben und Schaufenster für seine eigene Kunstsammlung. Doppelzimmer ab 477 $.
Wo sollen wir essen
Bludorn : Küchenchef Aaron Bludorn kommt über Manhattans mit einem Michelin-Stern ausgezeichnetes Café Boulud. Jedes Gericht ist ein Kunstwerk. Eintritte –.
Eunice : Dieses Restaurant ist nach der Heimatstadt von Küchenchef Drake Leonards in Louisiana benannt, aus der er noch immer seine Spezialität bezieht: Langusten. Verpassen Sie auch nicht das Maisbrot und den Rohkostriegel. Eintritte –.
Nancys Hustle : Der coolste Ort im aufstrebenden Stadtteil East Downtown ist die Heimat der berühmten Nancy Cakes – Blini auf Maisbasis im südlichen Stil mit gezüchteter Butter und geräuchertem Forellenrogen. Eintritte –.
Ein Fünftel Southern Comfort : Dieses innovative kulinarische Projekt, eine fünfjährige Serie von fünf neuen Restaurants in denselben Räumlichkeiten in Montrose, wird es nicht lange geben – der Pachtvertrag läuft im September aus. Probieren Sie das Ochsenschwanz-Ragoût über knusprigen Gnocchi, bevor alles weg ist. Hauptgerichte –.
Xin Chao : In diesem vietnamesisch-texanischen Fusionslokal können preisbewusste Feinschmecker für nur 18 $ geschmortes Schweinefleisch und knusprigen Reis mit eingelegtem Gemüse und Ei von Co-Köchin Christine Ha probieren, ein Meisterkoch-Siegergericht. Eintritte –.
Was zu sehen
Museum für zeitgenössische Kunst Houston : Dieses schimmernde Gebäude beherbergt keine ständige Sammlung, beherbergt aber seit den 1950er Jahren Ausstellungen bedeutender Künstler.
Kunstmuseum Harrisburg : Rotierende Graffiti-Kunstwerke werden an der Außenseite einer Lagerhalle im Stadtteil East End ausgestellt.
Menil-Sammlung : Eine erstklassige Privatsammlung, die sich nahtlos in das Viertel Montrose einfügt. Verwandte Gebäude in der Nähe sind die Rothko-Kapelle, die Installationen von Cy Twombly und DanFlavin sowie das funkelnde Menil Drawing Institute.
Museum der Schönen Künste Houston : Das enzyklopädische Museum der Stadt zeigt große Ausstellungen und drei Stockwerke moderner und zeitgenössischer Kunst im neuen Kinder Building.
Projekt Reihenhäuser : Diese Schrotflintenhütten im Third Ward beherbergen seit fast drei Jahrzehnten farbige Künstler in Houston.
Station Museum für zeitgenössische Kunst : In diesem Museum im Third Ward vermischen sich Kunst und Aktivismus. Sehen Sie sich bis Ende des Sommers eine großartige Übersicht über den Bildhauer Jesse Lott und den Fotografen Travis Whitfield aus Texas und Louisiana an.
Eine Version dieser Geschichte erschien erstmals in der Juli-Ausgabe 2021 von Reisen + Freizeit unter der Überschrift Eine größere Leinwand.